El artista español Zosen Bandido y la italiana Nina Fuga son solo dos ejemplos de los 18 artistas elegidos por Vistaprint para diseñar una alegre y colorida colección de tarjetas para esta Navidad atípica

Estas tarjetas están disponibles de forma exclusiva en la página web de Vistaprint, con la opción de personalizarlas gracias a las herramientas intuitivas de la compañía y las opciones de atención al cliente que permiten a cualquiera crear productos diseñados por expertos y que pueden ser fácilmente personalizados con un mensaje directamente en la página web

Si hay algo que hace que esta época del año sea especial, es hablar con y escuchar a nuestros seres queridos; pensar más allá para conseguir hacer algo especial por ellos. La nueva y exclusiva colección de tarjetas navideñas de artistas de Vistaprint saca a la luz diseños de edición limitada, con más de 70 opciones para elegir, que iluminarán esta temporada navideña con color y sonrisas, poniendo sus diseños en algunas de las mejores y más artísticas manos que existen.

El artista español Zosen Bandido ha creado una línea de tarjetas navideñas, llenas de su característica conectividad y fusión mientras que en Italia la artista Nina Fuga ha volcado su inquieta búsqueda de la belleza también en estas tarjetas. Lo mejor es que todas las tarjetas se pueden personalizar fácilmente gracias a la rápida e intuitiva función de diseño de Vistaprint.

“Me inspiré en la idea de estar con la familia y los amigos durante estos tiempos difíciles, tratando de ser fuertes juntos y celebrar la vida y el amor. Creé mis tarjetas basándome en dibujos infantiles de Navidad, con expresiones ingenuas y puras de amor”, explica Zosen Bandido. “¡Creo que la idea de enviar postales a amigos y familiares con los mejores deseos es siempre buena! Es la primera vez que colaboro con Vistaprint y también la primera vez que diseño postales navideñas para la gente. ¡Estoy feliz de que la gente pueda enviar amor y buenas vibraciones con mi arte!”, comenta el artista.

Estos son sólo dos ejemplos de los 18 artistas de 12 países que han decidido colaborar con Vistaprint para conseguir lo que necesitamos de estas fiestas: color, felicidad y alegría. Con esta nueva colección, Vistaprint quiere contribuir a las comunidades a través de la expresión artística, haciendo que el arte de artistas de renombre sea accesible para todos a través de sus tarjetas navideñas. Otros nombres de esta nueva colección son Cody Hudson, Cynthia Kittler, Dermot Flyyn, Garima Dhawan, Jessica Hische, Koralie o Sophia Chang, entre otros.

Sobre los artistas

ZOSEN BANDIDO

El arte de Zosen trata sobre la interconexión. En su pintura, la conectividad y la fusión son clave, en la forma en que utiliza colores planos audaces, patrones y formas que se entrelazan como un mosaico, vinculando ideas pictóricas de forma libre. Como un músico de jazz improvisado, Zosen toca notas visuales que se repiten para crear estructuras de acordes visuales, armonías de color y ritmos emocionantes.

Su obra también trata sobre el linaje cultural, cómo esta visión universal de la sociedad puede ser rastreada hasta las culturas antiguas a través de historias e iconografía indígenas. En sus viajes por el mundo y, en particular, por América Latina, Zosen se ha sentido atraído por símbolos antiguos como los utilizados por las culturas precolombinas, lo que ha influido en su propio léxico visual.

Hacer arte público es esencial para Zosen; le impulsa a ser creativo, pero no es su única vía como artista. Más allá de la calle, crea a través de todo tipo de medios, desde la impresión, hasta los textiles, la ilustración, la cerámica, la escultura e incluso la actuación. Si bien su obra suele contener mensajes políticos, éstos no eclipsan toda su expresión, sino que forman parte de su pasión artística, junto con colores vibrantes, formas humanizadas, patrones y simbolismo. Hay un vigor en la obra de Zosen que proviene de pintar incesantemente en el exterior, una energía que es difícil de describir con palabras. Su pintura es una actuación, un juego con las formas; ingenua, expresiva, creando inusuales y poderosas combinaciones de colores y formas que capturan un momento en el tiempo.

NINA FUGA

Nina Fuga es una artista nacida en Venecia y ubicada en Londres. Graduada por el Royal College of Art, ha ilustrado para Bompiani, Faber & Faber, Harper Collins, Random House NY. Junto con clientes editoriales, también ha trabajado con American Express, Bulgari, Ferrari, Max Mara, Qantas, Stella Artois y Wallpaper*. Nina trabaja en varios soportes, que van desde el dibujo hasta la pintura de grandes murales para interiores. Sus imágenes están influenciadas por el mundo natural e inspiradas por sus viajes y su inquieta búsqueda de la belleza.

CODY HUDSON

Cody Hudson es un artista de Chicago, también conocido por sus contribuciones al diseño gráfico bajo el nombre de Struggle Inc. Su obra gráfica y sus pinturas han sido exhibidas por todo Estados Unidos, Europa y Japón, incluidos el Museo de Arte Contemporáneo (Chicago), V1 (Copenhague), Hellerau Art Center (Dresden), MU (Eindhoven), Joshua Liner (Nueva York) y Andrew Rafacz (Chicago). Hudson también es socio del grupo de restaurantes ganador del premio James Beard, Land and Sea Dept.

CYNTHIA KITTLER

Cynthia Kittler es una ilustradora de un pequeño pueblo cercano a Stuttgart, Alemania, y actualmente vive en la ciudad alemana Offenbach, Frankfurt am Main. Entre sus clientes se encuentran The New Yorker, The New York Times, Bloomberg Businessweek, Die Zeit, Süddeutsche Zeitung y Der Spiegel. Ha ilustrado cuatro libros y el próximo será "Planeta Moda", su primer libro infantil.

DERMOT FLYNN

Nacido al norte de Dublín, Dermot estudió Comunicación Visual en el NCAD antes de comenzar su carrera de diseño e ilustración en Carton Levert en Blackrock. Después de terminar su Master of Arts en animación, se trasladó a Londres para trabajar en el mundialmente conocido StudioAKA, antes de trabajar como freelance y establecerse como ilustrador y animador.

El talento natural de Dermot para la ilustración y la animación le ha permitido tener gran variedad de clientes, con trabajos de ficción para niños, animación y dibujo en Marmite para la televisión nacional. Su trabajo ha ganado numerosos galardones, entre ellos el Premio Macmillan de Ilustración de Libros Infantiles y un León de Plata en el Festival de Publicidad de Cannes.

Dermot ha trabajado para cientos de clientes internacionales, incluyendo Pentagram, Adidas, Vodafone, New York Magazine, Conde Nast, Dentsu Japan, Winkreative, GQ, The Guardian, BMW, Francfranc, SwissAir, Nickelodeon, y el Irish Times.

GARIMA DHAWAN

Garima Dhawan es una artista y diseñadora de interiores que estudió en la RISD (Escuela de Diseño de Rhode Island). Actualmente vive y trabaja en Leamington Spa, Reino Unido. Su trabajo es una combinación de técnicas de grabado tradicionales junto con tecnología digital, para crear un diálogo entre los dos mundos.

Le encanta la belleza de la marca impresa y la técnica del collage. Para ella, representa la deconstrucción de las cosas y su unión de una manera completamente nueva. Recurre constantemente a la inspiración del jardín, como un terreno con un potencial y posibilidades infinitas.

Sus imágenes comienzan como experimentos en una prensa de grabado, con una combinación de técnicas de impresión como la serigrafía, la fotolitografía y el collage (chine-collé) y, después, trabaja digitalmente en Photoshop. La obra se imprime en capas y luego se coteja digitalmente.

Sus trabajos se venden en tiendas como Anthropologie, Urban Outfitters, Target, Nordstrom, Kohl's, Bed, Bath & Beyond, NEXT y Habitat. También, en Deny Designs, Society 6, Artfully Walls, Displate y Eastend Prints.

A Garima le gustaría llegar a todos los públicos a través de su trabajo... tiene un poderoso sentimiento de expansión, poder y audacia, además de la constante sensación de que todo es posible.

JESSICA HISCHE

Jessica Hische es una artista de las letras, ilustradora y autora que se autodefine como "ávida internauta" y actualmente trabaja en Oakland, California. Después de graduarse en Diseño Gráfico e Interactivo en la Escuela de Arte Tyler (Universidad de Temple), en 2006, trabajó para Head Case Designs en Filadelfia antes de ocupar un puesto de Diseñadora Senior en Louise Fili Ltd. En 2009, después de dos años y medio, Jessica se marchó para continuar su carrera como freelance y embarcarse en varios proyectos personales muy divertidos. Jessica comenzó con Daily Drop Cap, un proyecto en el que cada día creaba una nueva letra ilustrativa, trabajando continuamente con el alfabeto. La popularidad de Daily Drop Cap fue el punto de partida de su carrera como escritora, y ha inspirado a muchos otros diseñadores a iniciar proyectos basados en las letras. Daily Drop Cap concluyó en 2011, pero se pueden encontrar sus letras en muchos soportes, como sets de postales o fundas para teléfonos móviles.

Jessica se ha hecho tan conocida por sus proyectos secundarios como por su trabajo para todo tipo de clientes. Aunque no se considera a sí misma una diseñadora web, muchos de sus proyectos personales están centrados en la web. Ha creado varios micrositios educativos, incluyendo ‘Mamá Así es como funciona Twitter’, ‘¿Debo trabajar gratis?’ y ‘No temas a Internet’ (un proyecto de colaboración con Russ Maschmeyer).

Acuñó el término "procrastiworking" para describir su tendencia a postergar el trabajo del cliente trabajando en proyectos personales.

Jessica participa activamente en las comunidades del diseño, la ilustración y la tipografía (formando parte de la junta del Club de Directores de Tipografía de 2012 a 2015) y es una prolífica oradora en universidades y conferencias de todo el mundo.

Entre los clientes de Jessica se encuentran Wes Anderson, el Servicio Postal de los Estados Unidos, Tiffany & Co., The New York Times, Penguin Books, Target, Starbucks, American Express y Wired Magazine. También ha lanzado varios tipos de letras comerciales que están disponibles en su tienda. Jessica ha sido nombrada Nueva Artista Visual de la revista Print (20 menores de 30 años), una de las 30 menores de 30 años de Forbes en Arte y Diseño, una ADC Young Gun, una "Person to Watch" de GD USA, y una "Creative 100" de Adweek. Ha sido destacada en muchas revistas, entre ellas Eye Magazine (Reino Unido), Communication Arts, Grafik Magazine (Reino Unido) y Novum Magazine (Alemania). Es autora de dos libros infantiles de gran éxito de ventas y de "In Progress", en el que detalla su proceso creativo.

KATE GIBB

Kate ha trabajado como grabadora e ilustradora en su improvisado estudio de grabado en Londres durante más de veinte años. La serigrafía obsesiva de sus primeros estudios en Textiles Impresos alimentó su amor por el color y el diseño, que todavía sirve de base para la mayoría de su obra hoy en día. Se inspira en la casualidad, el hipo y los accidentes felices para proporcionar las cualidades inherentes a cada pieza. Técnicamente, su práctica es predominantemente autodidacta, intuitiva y en continua evolución, y se concentra sobre todo en la creación de piezas únicas, cuando no trabaja por encargo. Comercialmente, es reconocida por sus obras de arte de manga relacionadas con la música, sobre todo por su larga relación con The Chemical Brothers. En el ámbito no comercial, continúa explorando el proceso de serigrafía, su naturaleza táctil y sus sutiles matices. Para este proyecto, cada diseño de tarjeta ha sido creado originalmente como una serigrafía sobre papel. Una aplicación de impresión única que luego es escaneada, editada y mejorada digitalmente para crear las ilustraciones.

KORALIE

Koralie es una artista contemporánea. Originaria de un pequeño pueblo de la "pequeña Camarga", Koralie estudió arquitectura en Montpellier (1995-2001) y, de forma paralela, comenzó a exponer y descubrió el graffiti. Una revelación que la empujó a pintar en las paredes de la ciudad desde 1999 y la convirtió en una de las primeras mujeres francesas en expresarse de esta forma ilegal. La pintura, el dibujo y la construcción de maquetas son sus pasiones desde la infancia, pero pronto se dedicó a su vocación y se convirtió en una artista consagrada. Se instaló durante 4 años en el País Vasco con su marido SupaKitch (conocido artista) y sus 2 hijos, después de pasar 4 años en Brooklyn y 4 años en París.

Se inspira en sus viajes, en diferentes culturas y tradiciones de todo el mundo: trajes folclóricos y tradicionales, monumentos emblemáticos y rituales animistas, que ofrecen una rica estética, una variedad de símbolos. Le gusta romper las fronteras mezclando elementos de estos diferentes orígenes, tradicionales y contemporáneos, y desea crear una armonía multicultural onírica.

La elegancia de su singular obra se traduce en la búsqueda de un equilibrio gráfico y étnico que entrelaza la geometría arquitectónica (simetría, repetición) y orgánica (tejido, trenzado). Sus técnicas, sus medios y sus herramientas varían según su mensaje y sus proyectos: pinturas sobre lienzo o murales, esculturas en madera y tejidos, dibujos vectoriales, instalaciones, vídeos...

Durante 12 años, se dio a conocer por sus Geishkas, personajes sensuales y modestos mitad geisha y mitad matrioshka, mezclados con el espíritu de Kachinas, que pintó en diferentes partes del mundo. Luego, a partir de 2012, creó la arquitectura quimérica en estilo art decó.

En los últimos años, ha creado una técnica de plantillas que define como un nuevo lenguaje de creación: cada plantilla es un elemento de su partitura, compone a partir de diferentes patrones originales unas rosetas caleidoscópicas y un jardín de palmeras, en honor a la naturaleza.

LAKWENA MACIVER

Lakwena Maciver crea oraciones y meditaciones pintadas que responden y se reapropian de elementos de la cultura popular. Explorando el papel del artista como creador de mitos, con su uso del color ácido y el texto tipográfico en negrita, sus pinturas actúan como un medio de descolonización, subvirtiendo sutilmente las mitologías imperantes. Su enfoque es instintivo y autodidáctico, produciendo viscerales, rítmicas e inmersivas pinturas, murales e instalaciones.

Desafiando tanto la voz externa como la internalizada de los medios de comunicación, Lakwena ha creado obras en el ámbito público a nivel internacional, desde instalaciones en la Tate Britain, Somerset House, Facebook y el Southbank Centre en Londres, hasta un centro de detención de menores en Arkansas, un monasterio en Viena y el Muro de Bowery en la ciudad de Nueva York.

LYNN BREMNER

Lynn Bremner es una ilustradora escocesa con sede en Melbourne, Australia, que firma bajo el seudónimo de 'Salty Shoppe'. Trabaja en una amplia gama de medios, que van desde lo digital hasta las técnicas tradicionales de pintura y grabado. Y, a menudo, combina lo digital con lo tradicional. Recientemente, Lynn ha creado murales, etiquetas de cerveza y portadas de revistas, y ha participado en numerosas exposiciones colectivas, además de contar con su propia exposición individual. Su trabajo es audaz y colorido, usando paletas de colores cálidos inspirados en la publicidad y el embalaje de época. Está muy influenciada por la naturaleza y presenta muchos elementos botánicos en casi toda su obra.

Lynn también recibe la influencia de la escritura de signos y el diseño gráfico antiguos, a menudo simplificando las formas en ilustraciones planas bidimensionales, mientras mantiene un sentido de equilibrio. El trabajo de Lynn se crea mayormente a través de medios digitales, pero a menudo utiliza texturas generadas a mano para crear una sensación más cálida y tangible en sus piezas.

MALIN ROSENQVIST

Malin Rosenqvist es una ilustradora sueca conocida por sus coloridas y únicas obras de arte, todas dibujadas a mano. Usando líneas y puntos, Malin construye una imagen casi tridimensional a la que se le da textura a través de su riguroso enfoque. Usando sólo un bolígrafo negro, Malin crea un collage con las imágenes y las colorea. Estudió en la Hochschule für Design & Kunst en Lucerna y en el Royal College of Art, Design & Craft en Estocolmo.

MELANIE LAMBRICK

Melanie Lambrick es una ilustradora que vive en Montreal, Canadá. Su trabajo es un puente entre las tradiciones de ilustración del siglo XX y las técnicas digitales contemporáneas. Utilizando un lenguaje visual teñido de referencias de cómics y libros infantiles, la obra de Melanie lleva al espectador a una nueva conversación en torno a temas complejos. Melanie creció en la costa oeste de la Columbia Británica donde se le inculcó un profundo amor por el medio ambiente y el respeto por la ingenuidad de los años 60 y 70 y de sus movimientos de regreso a la naturaleza. Sus clientes anteriores incluyen The New York Times, The Atlantic, Volkswagen, UNESCO y Man Repeller.

MISTER ADAM

Mister Adam (alias Adam Oostenbrink) es un diseñador gráfico, grabador y maestro de diseño de Ámsterdam, Holanda. Desde su estudio-imprenta crea trabajos multidisciplinares para una amplia gama de clientes. Utilizando técnicas digitales y analógicas, su estilo tipográfico es fluido, colorido, animado y franco. Mister Adam ha trabajado para marcas como Nikon, TNT Worldwide y Adidas, pero también desarrolla proyectos personales centrados en la experimentación, investigación, colaboración y ediciones limitadas de alta calidad hechas a mano. Su trabajo forma parte de un gran número de publicaciones y exposiciones.

SOPHIA CHANG

Sophia Chang creció en Queens, Nueva York y en menos de una década ha conseguido hacerse un nombre en la comunidad del arte, el diseño y la moda urbana en todo el mundo. Con su BFA de la Escuela de Diseño Parsons y un don natural para los negocios, ha colaborado con nombres de la lista A en distintos sectores como Samsung, Nike, Refinery29, Adidas, Apple, Foot Locker, HBO, y la NBA, entre muchos otros. Como gran narradora de historias multimedia y gracias a su habilidad para crear imágenes lúcidas e inspiradoras, está consiguiendo expandir los límites del mercado y está definiendo un nuevo vocabulario visual. Sophia entiende que la presencia tiene su propia dimensión, online o en la vida real, Sophia es capaz de inspirar esta conexión. Apasionada por las grandes historias, Sophia escucha e interpreta cada historia para dar poder a la comunidad que admira y respeta. Sophia es un motor creativo que impulsa sus obras a lo más alto.

TOR BRANDT

Tor Brandt es un ilustrador y artista de cómics con sede en Dinamarca. Ha publicado varios cómics y libros, así como trabajado para diferentes revistas, sitios web y marcas. Tor estudió bellas artes y filosofía, y su trabajo está inspirado en la cultura de la Nueva Era, la espiritualidad y el Weltschmerz en general. Su trabajo es de naturaleza minimalista, consistente en pocas pero poderosas líneas y audaces superficies de color.

WRK

WRK son Damoun Tamir y Andrea Weber, una pareja de diseñadores de Iserlohn y Krefeld (Alemania). Están licenciados en Diseño de Comunicación en la Universidad de Ciencias Aplicadas y Artes de Dortmund y juntos decidieron crear su propio estudio centrado en el diseño táctil. En su estudio crean imágenes táctiles lúdicas, basadas en diferentes conceptos y en su mayoría destinadas a la publicidad y las revistas. Trabajan con gran variedad de materiales y técnicas como el papel, papel maché y la comida. Su trabajo es colorido, poco convencional, a menudo muy detallado, audaz y siempre encantador.

WRK se inspiran de lo real y lo original para las ilustraciones táctiles. Es un trabajo muy manual pretende conseguir un resultado final muy limpio. Intentan desconectar y usar todos los sentidos para trabajar, usan sus propias manos y consideran que trabajar así es simplemente genial y no es algo se pueda copiar y pegar. El papel está muy bien representado en su portafolio, entre otras cosas porque es un material muy versátil, fácil de trabajar y se pueden hacer verdaderas obras de arte a partir de él. Es un material con el que todo el mundo trabaja a diario y aún así tiene la capacidad de sorprender e inspirar cuando se trabaja de forma inesperada.

¿Qué es el diseño táctil / son las ilustraciones táctiles?

¡Las ilustraciones táctiles son ilustraciones que se pueden tocar! La mayor diferencia con las ilustraciones clásicas es que estas imágenes hay que producirlas. Por eso WRK dejaron el campo del diseño gráfico clásico y se concentraron en los gráficos artesanales. Estas imágenes no se dibujan con un lápiz sobre el papel, sino que el objetivo es concebir y construir distintos mundos de imágenes a partir de diversos materiales. En este sentido, no existen límites en el uso de materiales. Por lo tanto, los paisajes y cualquier imagen se crean a partir de cosas que en realidad tienen un uso diferente. Una parte importante de las ilustraciones táctiles es la fotografía. Después de que los objetos han sido utilizados para construir las ilustraciones, son fotografiados y luego post-procesados en el ordenador. Entonces se convierten en imágenes "reales" y pueden tener multitud de usos y lo real permanece impreso en las imágenes.